Un album sous le signe de l’espérance

Les Sœurs Marleau, Diadem à leurs débuts, œuvrent dans la chanson depuis 1979 et cumulent une dizaine d’albums à leur actif. Le trio franco-ontarien, formé des sœurs Diane, Denyse et Marie Marleau, propose un onzième opus sous le signe de l’espérance.

Osons l’espérance nous interpelle avec une douzaine de textes sur des thèmes universels. Les Sœurs Marleau nous parlent d’espoir, d’amour, de rédemption, de violence conjugale et de fierté francophone. Côté musique, elles livrent un bel univers adulte contemporain, aux nuances multiples faites de pop-rock, reggae et parfois presque orchestrales.

L’un des moments forts de ce nouvel album est Le coin de mon pays. Cet hymne à la fierté s’inspire de l’univers de Gilles Vigneault et rend hommage aux nombreuses familles qui ont bâti l’Ontario français.

Féminisme est un petit reggae sur l’émancipation des femmes. Place à la non-violence est un appel à lutter contre la violence conjugale et à respecter les femmes. La pièce titre, Osons l’espérance, résume bien le propos de l’album : le désir d’un monde meilleur.

Après une carrière de 45 ans bien remplie, Les Sœurs Marleau ont une belle raison de fêter. Osons l’espérance est un bouquet de souhaits universels et de musiques contemporaines. 

Un univers hip-pop qui se démarque

Sur son nouvel album, L’Osstidtour, David Dufour, dit D-Track, livre 16 chansons hors du commun. Poète, slameur, rapeur de l’Outaouais, il ne cesse de peaufiner son art tout en gardant son authenticité et sa sincérité.

Si vous cherchez un hip-hop où le F Word se retrouve tous les trois mots, vous êtes sur la mauvaise piste. D-Track a bâti son art avec un souci du verbe. Il travaille autant ses textes que ses hooks. Ces dernières sont très souvent des échantillonnages des musiques souls, R&B des années 1970 et 1980.

Cela crée des ambiances moins violentes, mais tout aussi puissantes. D-Track s’impose un travail ardu afin d’éviter les rimes faciles et pour offrir une poésie urbaine franche, authentique et très puissante.

Plus de vie, plus de musique dresse bien l’ambiance de l’album. Sur une accroche jazzy à la 1970, L’Osstidtour à condo dresse le désarroi de D-Track sur la perte du cachet de son quartier d’enfance à cause de condos plus modernes.

Chez l’opto est un autre excellent morceau aux influences jazz. Les deux bombes de cet opus sont La peine, un duo extrêmement puissant avec Koriass, et Post-its à soi-même, un texte révélateur sur le moi intérieur, une autoévaluation de sa propre personnalité. 

Une maturité qui fait du bien

La jeune autrice-compositrice-interprète Céleste Lévis, originaire de Timmins en Ontario, nous offrait un 4^e opus en octobre 2021. Celle qui a su grandir à chaque étape de sa carrière proposait Si tu veux tout savoir, un album infusé d’une maturité évidente.

Dès les premières notes de Case départ, c’est évident que nous aurons droit à des mélodies rocks bien peaufinées qui marquent une nouvelle étape dans la musique de Céleste Lévis.

Les textes aussi nous emmènent ailleurs avec un propos plus mature et des émotions à fleur de peau, qui collent bien à la voix de la jeune artiste. Cette voix prend de plus en plus d’assurance et offre des harmonies vocales fort bien contrôlées.

Les pièces maitresses de cet opus sont entre autres C’est flou, un pop solide. Fragile nous dévoile une certaine tendresse, autant dans la mélodie que dans l’interprétation. Jamais seule est une mélodie puissante à la Fleetwood Mac, accompagnée d’une voix en plein contrôle. Il s’agit de l’un des meilleurs textes de l’album grâce à des propos remplis d’émotions.

Le tout se termine en beauté avec À quoi ça sert. Céleste Lévis nous offre un cri d’amour profond sur une guitare blues planante.

Ce 4^e opus, empreint de maturité, offre des textes bien peaufinés. Céleste Lévis nous captive avec une voix puissante, accompagnée par des mélodies rocks solides. Elle démontre qu’elle n’est pas seulement là pour quelques succès éphémères.

Douceur fransaskoise

Ce printemps, l’autrice-compositrice-interprète fransaskoise Alexis Normand présentait quelques-unes de ses plus belles chansons francophones. Avec Empreintes, elle nous invitait dans un univers rempli de tendresse et de mélancolie.

Elle a fait appel à deux réalisateurs chevronnés, Marc Pérusse et James Bunton, qui ont bien su comprendre son univers folk auquel ils ont ajouté des nuances de blues et de jazz.

La douceur de la voix d’Alexis livre toute la puissance de chaque mot. Ces chansons nous interpellent sur divers sujets, comme l’exploitation des ressources naturelles, la richesse de la famille et le retour aux sources.

Ce nouvel album comprend une dizaine de chansons, dont quelques petits bijoux savoureux. Il faut  parle de l’exploitation des ressources naturelles avec une force extraordinaire.

Le country folk Tous les matins est vraiment touchant et offre un beau moment de tendresse. L’album se termine par un duo avec Daniel Lavoie Sing me home. Il s’agit de l’une des plus belles chansons de la Fransaskoise. Cette ode au retour aux sources est tout à fait sublime.

Depuis environ une quinzaine d’années, Alexis Normand a forger un parcours musical qui démontre toute sa richesse artistique. Avec Empreintes, elle offre une parcelle de ses plus belles chansons. Elle nous livre un univers folk riche et une voix remplie de tendresse.

Bijou caché en Alberta

Mon plus grand plaisir lorsque je fais des commentaires sur des albums, c’est de découvrir de petits bijoux irrésistibles. Tel est le cas avec Girlz with Guitarz, un trio féminin de la région de Plamondon, en Alberta.

Ce trio est composé des sœurs Tracy Gauthier Lord et Karen Gautier Levoir accompagnées de leur tante Michèle Gauthier. Ces multi-instrumentistes aux voix harmonieuses nous captivent avec un univers folk dont la richesse se trouve dans les arrangements musicaux. Les harmonies vocales constituent souvent la force maitresse des chansons proposées.

Girlz with Guitarz débutent leur EP avec l’un des plus beaux textes de l’album, Langage de la poésie. Mon corps dit en est un autre sur le mal d’amour. La pièce maitresse est sans aucun doute Feel Good chanson. Une superbe valse country sur un texte vraiment touchant.

Le trio de musiciennes folk offre un EP éponyme des plus intéressants. Le temps de six chansons, Tracy, Karen et Michèle offrent un univers folk riche et harmonieux.

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Musique à tous les étages 

Au printemps 2020, Soir de semaine lançait son 3^e album, Au gré du vent. Cette formation du Yukon poursuivait ainsi sa démarche artistique avec originalité et diversité.

La diversité des genres musicaux est une force pour Soir de semaine. Rock, pop rock, ska et reggae, de plage en plage, l’auditeur est interpellé par une humeur différente et ne s’ennuie jamais. En revanche, les thèmes ne sont pas dépaysants : la famille, les amis, les fêtes ou encore les voyages.

Champagne m’a beaucoup séduit avec un reggae digne du groupe The Police. La pièce titre, Au gré du vent, également offerte en version instrumentale, se démarque également par une belle musicalité. Tes yeux est un autre excellent texte inspirant, appuyé par une belle trame musicale.

Parlant de trame musicale, je termine mon commentaire par Olivier. Une belle pièce instrumentale avec une progression d’accord qui nous captive de seconde en seconde.

Soir de semaine, ce sont des musiciens talentueux et généreux à l’énergie communicative, qui a offert un merveilleux 3^e opus à la musicalité solide et aux textes puissants.

L’art de raconter des histoires

Cette année, les Franco-Manitobains ont eu plus que la fête du Canada à célébrer. Leur amie Hélène Perreault leur a offert un beau cadeau. Le 1er juillet, l’auteure-compositrice-interprète franco-manitobaine a lancé numériquement son deuxième opus; Nuit sans sommeil.

Dès la première plage «Rebelles», elle nous offre un bouquet de mélodies, allant de la chanson française au jazz en passant par le blues et le folk. Des changements de tempos et d’orchestrations remarquables nous démontrent une belle évolution dans l’écriture musicale de la Franco-Manitobaine, originaire de Montréal.

Sa plume n’est pas en reste. Elle nous interpelle sur la fierté, les prétentieux ou encore les amours compliqués. Un moment fort du disque est la reprise de la chanson de Gérard Jean, «Histoire d’antan». Hélène Perrault en fait une version sobre, mais tout de même accrocheuse.

D’autres bonnes pièces de ce disque sont le folk Ici, sur la fierté du territoire, l’excellent air latino «Jet Lag», sur les joies du jetset, ou encore la country folk «Poussière verbale». Cette dernière chanson est l’un des meilleurs textes de l’album et porte sur les ouï-dire et les rien-dire. J’aime bien également l’air pop «Minuit moins toi», la musique est signée Hélène Perreault sur un texte magnifique du grand Claude Gauthier.

L’artiste franco-manitobaine nous offre une belle variété au niveau des arrangements et de magnifiques textes qui nous interpellent sur de nombreux sujets. Bref, il s’agit d’un nouveau rendez-vous réussi pour Hélène Perreault.

L’assurance et la maturité au bout des doigts

Quel plaisir de vous présenter le 2^e EP d’une artiste exceptionnelle de l’est de l’Ontario. Tout ça pour moi d’Héloïse Yelle est un petit bijou très captivant lancé à la fin mai.

La jeune artiste, qui baigne dans la musique depuis sa tendre enfance, possède déjà un curriculum artistique bien rempli. Avec ce microalbum, elle nous invite dans son univers de soul, de blues et de ballade.

Dès la première plage «Demande-moi pas de faire semblant», nous sommes séduits par des arrangements de cuivres solides, qui mettent en évidence la voix unique de la chanteuse. Héloïse Yelle démontre toute la puissance et la profondeur de sa voix grâce à deux pièces piano-voix remplies de tendresse.  

La jeune interprète franco-ontarienne propose un à-côté plus intimiste avec les chansons «Poète du vent» et «Nos âmes tristes». Ce dernier titre est gage du talent d’une grande chanteuse. L’album se termine sur une version francophone d’un classique du chanteur R&B Bobby Hebb, «Sunny».

Tout ça pour moi est une carte de visite qui met en évidence le grand talent et la profondeur de la voix d’Héloïse Yelle : une voix énergique et puissante par moment et douce et réconfortante à d’autres.

Retour sur un Voyage intérieur d’une âme manouche

Christine Tassan que nous avons connue comme guitariste de jazz manouche avec Les Imposteures,, nous a invités en 2020 à un Voyage intérieur avec son quintette. Il s’agissait d’un album avec de nouvelles compositions captivantes.

La première chanson, «Going to NYC», dans un univers plus cool jazz, met la table pour cet opus. Ça rappelle les sons de John Coltrane, Dave Brubeck et Thelonious Monk : un univers où se côtoie, énergie, nostalgie et mélancolie.

Nous avons droit à de nombreux échanges entre le piano, le saxophone et la guitare, et chacun y va de merveilleux solos de temps à autre. L’album s’écoute du début jusqu’à la fin sans effort tellement la complicité des cinq musiciens est enivrante.

La pièce la plus forte est «Frisson d’avril», un tango sur fond de mélancolie tout en douceur. «Gypsy Funk» sonne plus moderne et offre un groove des plus irrésistibles. La pièce titre, «Voyage intérieur», est exceptionnelle avec son univers profond, paisible et nostalgique. Dans le même créneau, «Pleine lune» se charge de terminer cet album tout en beauté.

Après nous avoir séduits avec son groupe Les Imposteures et cinq albums de jazz manouche, voilà que Christine Tassan dévoile une nouvelle carte. Voyage intérieur est un incontournable pour ceux qui sont à la recherche d’une oasis à la vie stressante. Tout au long du disque, nous nous laissons promener par des mélodies exceptionnellement bien fignolées.

Une âme qui passe l’épreuve du temps

Pour ses vingt ans de carrière solo, Joseph Edgar nous propose un 15^e opus éponyme. Au cours de ces deux dernières décennies, l’auteur-compositeur-interprète acadien n’a cessé de nous séduire à chaque album, avec une plume personnelle et un accent chaleureux.

Cette fois, il nous présente un album aux accents folks modernes, coréalisé avec Benoit Bouchard. Le duo nous offre des orchestrations solides et profondes tout au long du disque.

Les prestations vocales de Joseph Edgar sont justes et attendrissantes, créant parfois des moments d’intimité très touchants.

Certaines chansons me rappellent l’univers d’un certain Chris Isaak. «Année après année», un crescendo qui nous berce tendrement, est suivi de «Hang On (Rester là)», un folk pop accrocheur accompagné de l’un des plus beaux textes de l’album. «Les Golden Hours» est un autre succès potentiel.

Un autre extrait radio à surveiller est «Le Heavy Side of Love». Le texte de l’album nous est livré dans les deux langues officielles du pays. C’est le genre de chanson que l’on écoute en boucle. «Juste comme ça» est une autre pièce qui se démarque bien, avec un excellent texte et une voix en plein contrôle.

Joseph Edgar revient avec des textes magnifiques, chantés d’une voix intense. L’artiste acadien a su prendre le temps nécessaire pour livrer un produit magnifique, qui rend justice à son talent.

Un album plus personnel pour Reney Ray

À la fin du mois d’avril, Reney Ray, autrice-compositrice-interprète de Kapuskasing en Ontario, nous présentait Temporaire, son 4^e opus. Cet album, dont elle signe la réalisation, est un effort plus personnel que ses premiers disques.

Dès les premières notes d’«Adam», elle nous propose une trame blues, qui trace la ligne narratrice de cette création. L’artiste franco-ontarienne nous livre ses blessures les plus profondes et sa quête de spiritualité et de paix intérieure. Avec «Cobaye» et «J’t’aime pareil», elle nous dévoile son besoin de tendresse et son mal d’amour.

Elle nous surprend également avec la pièce «Backstab», un duo au style inattendu avec l’artiste David Jalbert. La prière «Oh My Lord» est un autre duo surprenant avec Day Vee. Dans la même veine, on trouve également «Powerful».

Reney Ray termine ce 4^e album avec la chanson la plus profonde de toute sa carrière. Dans «T’as grandi», l’artiste se livre dans toute sa vulnérabilité et sa fierté. La trame piano-voix rend cette pièce extrêmement intense et saura venir toucher le cœur des parents.

Ce nouvel opus offre des trames profondes et une certaine recherche de spiritualité au niveau des textes. La Franco-Ontarienne réussit à nous interpeler tout au long du disque avec sa voix un peu rauque et réconfortante.

Cette voix que l’on n’oublie pas

À l’automne 2019, une belle voix chaude du passé nous revenait, comme celle d’un bon vieux chum. Une voix chaleureuse qui avait bercé notre jeunesse et qui, encore une fois, venait nous séduire avec des mélodies captivantes. Avec Comme un engin, Michel Lalonde, ex-Garolou, revenait nous partager le fruit de ses dernières créations.

Dès les deux premières pièces, on y retrouve cette chaleur humaine, cette tendresse qui nous berce avec «J’suis fait comme ça» et «Tout ce qu’on avait». Cette dernière est une adaptation francophone d’une chanson de John Prine, qui met en scène la voix de Patricia Richard au niveau des chœurs.

«Marilou» est une autre excellente pièce country folk où la charmante voix de Caroline Bernard vient appuyer celle de Michel Lalonde.

Deux de mes titres préférés me rappellent des univers folks americana classique. «Cap sur l’amour», sur une trame à la Gordon Lightfoot, est le plus beau texte de l’album. Une partition de violon nous dresse une toile de fond nostalgique, alors que le texte respire la tendresse.

«C’est toujours toi» est une autre belle mélodie folk à la Eagles, avec une touche de nostalgie qui vient doucement nous bercer.

Sur cet opus, Michel Lalonde nous offre aussi un p’tit clin d’œil à son époque Garolou avec une belle version de «Joli cœur de rosier».

Je termine par une mention spéciale pour la pièce-titre, «Comme un engin», une road song au texte engagé, très puissante et actuelle.

Vent de douceur de l’Ouest

Une fraicheur nous vient des Rocheuses, une voix douce, qui nous interpelle comme un rendez-vous doux entre deux vieilles connaissances. Paul Cournoyer, bassiste auteur-compositeur-interprète originaire de Calgary, nous propose un deuxième opus solo : Victoires et défaites.

L’artiste franco-albertain résume l’ensemble de ses expériences pour nous offrir onze plages à saveur folk rock et pop-rock où jeux de guitares et trames de piano séduisent.

Paul Cournoyer a conçu des orchestrations dont la profondeur n’a d’égal que celle des textes proposés. Sa plume nous interpelle sur l’essentiel, la vérité, l’instant présent et l’intégrité.  

Quelques moments forts de l’album comprennent C’est bien comme ça, qui nous rappelle que malgré les détours, l’important c’est nous. Parfois est une superbe ballade sur le futur et l’inconnu. Avec Ça coule dans notre sang, l’artiste visite également l’univers blues pour nous parler de nos racines et de notre destin. La pièce titre Victoires et défaites nous rappelle de son côté qu’il y a toujours un prix à la réussite et à la victoire.

Chansons traditionnelles revisitées

Prairie Comeau est la rencontre de deux excellents musiciens, maitres de leurs instruments. Benoit Archambault, jadis de la formation Mes aïeux, et Anique Granger, autrice-compositrice-interprète de la Saskatchewan, nous invitent dans le jardin de notre inconscient avec L’emprunt(e) vol.1.

Ce jardin est celui de la bonne chanson traditionnelle d’avant les années 1960. Un effort de sobriété vient ajouter une certaine profondeur au produit final. Les voix de Benoit Archambault et Anique Granger sont un velours pour l’ouïe, on s’en rend compte dès la première pièce du EP; Tout passe.

La réussite de ce produit tient aussi aux arrangements proposés. De merveilleux musiciens accompagnent le duo, dont un certain Michel Lalonde de Garolou sur la magnifique chanson Comment veux-tu.

Un autre moment percutant est l’interprétation de la pièce Les amants malheureux. Benoit et Anique nous livrent le texte tout en chuchotement. Ils terminent cet EP en offrant une version à capella tout à fait magistrale de La chère maison.

Un devoir de souvenir, c’est ce que nous offrent Benoit Archambault et Anique Granger. Prairie Comeau effectue un travail de relecture remarquable d’une sélection de chansons traditionnelles inoubliables. L’emprunt(e) vol.1 est un moment de tendresse fort appréciable et on ne peut qu’attendre avec impatience le vol. 2.

Vingt ans de carrière

En guise de célébration pour ses quinze ans de carrière, l’auteur-compositeur-interprète acadien Joseph Edgar nous livrait un album double. 2004-2014 Point picot est une belle sélection des meilleures compositions de cet artiste.

Comprenant deux disques, cette compilation nous rappelle de beaux souvenirs. L’artiste offre des classiques revisités, en version live et, bien entendu, quelques inédits. On retrouve ainsi les Jo, Jane et Jim, Espionne russe, Oh ma ma! et Y’a un train qui s’en vient et bien d’autres belles chansons.

Quant aux inédits, il y a Black Jetta Blues, qui offre un jeu de guitare captivant, Entre les craques (le calepin d’un flâneur partie II)), l’un des excellents textes de l’album, Mille requiems, une belle trame folk intéressante, et Loin, loin, loin, un petit texte vraiment touchant.

Joseph Edgar, ex-membre de la formation acadienne Zéro Degré Celsius, voulait sortir un album solo. S’attendait-il à une carrière aussi fascinante? Peu importe, l’important est qu’il est l’un des artistes acadiens les plus importants de sa génération.

2004-2014 Point picot est un point d’arrêt pour regarder le chemin parcouru afin de mieux continuer. Pour ses 20 ans de carrière, Joseph Edgar vient tout juste de nous offrir un nouvel album original, que l’on analysera sous peu.

Une plume impressionnante

Née dans une famille de musiciens, Flora Luna a voulu ouvrir ses ailes et prendre sa place. Elle nous a présenté à la fin mars un premier EP, dont elle signe les paroles et les musiques. L’artiste collabore aussi avec Anique Granger et Éric Burke. Avec L’autre bord du mur, la jeune Franco-Manitobaine nous invite dans son univers.

Ce qui nous captive dès les premiers instants, c’est sa voix puissante. Tout au long de l’EP, Flora Luna nous interpelle sur des thèmes profonds, comme la maladie mentale, l’exploitation de l’image et la persévérance. La force des mots est gage d’une auteure riche d’une grande sensibilité.

La musicienne n’est pas en reste. L’album dévoile six pièces aux arrangements puissants. De Mon sort à I’m Gonna let You in, l’unique pièce anglophone, elle séduit par d’excellentes trames de piano et de guitare, signes d’une grande compositrice.

Je termine en mentionnant le texte de La femme du politicien, un hommage puissant et touchant à ces femmes qui sont dans l’univers de la politique par alliance et non par choix.

L’autre bord du mur est une carte de visite impressionnante, qui met en valeur tout le talent de la Franco-Manitobaine. Sa voix exceptionnelle livre de superbes textes qui nous touchent les uns après les autres.

Le retour d’un grand Franco-Ontarien

L’un des meilleurs auteurs-compositeurs franco-ontariens de sa génération, Serge Monette, revient à ses sources et offre un 5^e opus à saveur country-folk, avec une voix solide comme le roc.

Avec une plume empreinte de vérité, Monette nous interpelle sur l’amour, la solitude, le Nord et ses illusions. Tout au long de cet album, il raconte un peu l’histoire de sa famille et comment le Nord de l’Ontario a joué un rôle important au sein de celle-ci.

La richesse de sa plume repose sur d’excellentes trames country et folk aux arrangements solides. Pièce après pièce, nous sommes entrainés à travers des mélodies remplies de nostalgie.

L’une des chansons les plus accrocheuses est celle qui ouvre l’album. Crache ton sang est aussi un excellent texte sur la fierté franco-ontarienne. La pièce-titre, Le diable dans le corps, est un savoureux ver d’oreille qui nous emporte dès les premiers accords, alors que Noyé dans ta bière est une preuve indéniable du grand talent de mélodiste de Monette.

Après cinq ans d’absence, Monette, l’une des voix les plus riches de la francophonie, offre des mélodies plus accrocheuses les unes que les autres.

Souvenir de l’authenticité de Radio Batata

Mehdi Cayenne, un artiste original s’il en est un, proposait son 4^e opus en 2019. Radio Batata, un album au son unique et captivant, nous invite dans un monde de rythmes très bien orchestrés. Si vous l’avez manqué, ça vaut la peine de le dénicher pour l’écouter.

Des guitares parfois lourdes, parfois planantes, mais toujours justes, des synthétiseurs et des percussions bien fignolés accompagnent des textes puissants.

De Fulton à Croque-pomme, Mehdi Cayenne offre le fruit d’une plume qui nous interpelle sur le vrai, le faux, le désir et l’envie, sur l’essentiel versus le superflu. Avec une prosodie qui lui est propre, il réussit à nous faire ressentir une urgence ou un besoin, tout en peignant des images extrêmement puissantes.

Radio Batata, c’est aussi l’art des nuances musicales. Medhi Cayenne s’amuse à nous offrir un funk aux multiples couleurs, passant avec dextérité du punk au dance, du soul à la pop, du rock au quasi-métal. Grâce au talent de l’artiste, nous découvrons une palette de sonorité des plus captivantes.

Les succès de cet album sont entre autres Molly, avec son rythme enivrant et son riff accrocheur, et Dieu est à temps partiel depuis qu’on l’a remplacé(e) par une machine qui, malgré son long titre, s’avère être un petit groove fort intéressant. Sasseville et Bibo sont aussi des dances pop puissants et irrésistibles.

Commençons avec un son lourd et grunge qui nous vient du nord du Nouveau-Brunswick. Ce son percutant, originaire de Bathurst, est le fruit d’un deuxième EP J’mettrai le feu du trio MESSE, qui figurait parmi les finalistes du dernier Gala de la chanson de Caraquet.

Dès les premiers accords de Révolution, nous pouvons facilement percevoir des influences de Led Zeppelin ou encore Rush. La formation acadienne nous propose un univers blues rock psychédélique qui accompagne des textes rappelant certaines chansons de groupes francophones québécois des années 1990 comme Notre-Dame ou encore Possession simple.  

Quelques pièces se démarquent, notamment Automne pour sa couleur un peu plus progressive. Le morceau instrumental T.O.M.I. est à couper le souffle. Il met en évidence le talent des musiciens. L’intensité de la plage Gaz est un autre exemple de la puissance du trio MESSE.

Le groupe de Bathurst se classe dans une catégorie à part au niveau de la musique acadienne. Dans cet univers se retrouvent des groupes comme Les Hôtesses d’Hilaire, La Patente ou encore Aubin pi la S.C.B. (Band).

MESSE propose aux amateurs de musique rock une trame solide grâce à des jeux de guitares intéressants et une section rythmique des plus remarquables. Les trois jeunes musiciens ont tous ce qu’il faut pour attirer l’attention des amateurs de hard rock.

Ballade jazz

À l’autre bout du spectre musical se retrouve l’univers manouche de Christine Tassan et les Imposteures. Après six ans d’absence, le groupe propose le nouvel album Sur la route, un retour toujours aussi généreux et savoureux avec une quinzaine de pièces; autant des chansons que des morceaux instrumentaux.

La formation nous offre un univers jazz manouche parsemé de quelques notes de blues et ballades, qui nous captivent dès les premiers accords.

Sur la route nous rappelle la richesse des voyages que Christine Tassan et les Imposteures ont faits au cours des dernières années. Christine Tassan et ses acolytes nous bercent, nous décrochent un sourire et nous font rêver tout au long des différentes prestations proposées.

Il y a de beaux moments sur cet opus. L’instrumental À vélo dans Stanley Park débute avec une intro à la Harmonium pour se poursuivre avec un jazz manouche ultra moderne. Louisville Blues réussit à nous faire ressentir les chaleurs humides du Kentucky grâce à une performance remarquable.

Le quatuor manouche y va même d’une relecture d’un classique de Willie Nelson. On the road again passe aisément du manouche au celtique avec une partition de podorythmie. Parlant de relecture, Je reviendrai à Montréal est à couper le souffle, un beau mélange de ballades et de manouches.

Terminons avec Balade à Vernon, parole et musique signées Christine Tassan. L’auteure-compositrice-interprète montréalaise nous offre un moment de tendresse où nous pouvons entendre sa belle voix de velours.

Poète cowboy

Daniel Léger, l’un des meilleurs auteurs-compositeurs-interprètes de sa génération, nous proposait en avril 2019 son quatrième opus Groundé, le fruit d’une plume près du cœur et des émotions.

Le plus storyteller des artistes acadiens puise ses inspirations chez Bob Dylan, The Band et John Mellencamp. La toile de fond de cet album est celle de la contradiction entre l’Amérique rurale et les grands centres urbains.

Côté mélodie, Daniel Léger donne dans le country auquel il y ajoute des tons de folk, rock et blues. Buche, buche illustre bien l’univers de l’album. Jean Baptiste décrit bien une situation de plus en plus présente que nous voudrions cacher, celle du peuple contre l’exploitation des multinationales.

Rusty évoque les vraies valeurs, tout comme Semer comme on s’aime. Cette dernière est une super belle ballade country avec un texte puissant sur la richesse de l’essentiel. 

Porté par ce besoin de décrire le quotidien des vraies gens, du peuple qui l’entoure, Daniel Léger nous interpelle avec un opus solide rempli de franchise et d’images loin d’être préfabriquées.

Sur une toile de fond country aux multiples nuances, l’artiste livre des textes puissants, qui décrivent l’Amérique rurale. Proche de la complainte et du parler, il réussit vraiment à nous captiver et à nous faire réfléchir sur une Amérique que nous connaissons tous, mais que nous aimerions cacher.

Pulsations acadiennes

Gabriel Malenfant, dit GABIO, auteur-compositeur et membre du duo Radio Radio, nous présente une facette plus personnelle avec son premier projet solo, intitulé Vers la mer.

L’album nous invite à voguer sur les rythmes des années 1980 aux couleurs de DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince, Rakim ou encore de Grandmaster Flash. La trame mélodique de cet opus est fortement réussie. On se sent transporté de plage en plage autant par la musicalité des mots que par les arrangements proposés.

GABIO nous convie sur les planchers de danse avec des vers d’oreille qui seront des succès garantis. Ça commence avec Frenchys Run, un air disco sur lequel on peut entendre Jacobus son collègue de Radio Radio. Tchisse tu t’prennais pour sonne plus pop années 1980 alors que Jacké est un son plus Radio Radio.

Pas Jamaïca but pas loin est un cocktail fort réussi de tempos et de trames mélodiques qui se rapprochent plus du style reggae. Gabio termine l’album avec Ensemble : un appel à la fraternité, entonné avec des enfants. Cette pièce a une certaine importance en ces temps de guerres dans d’autres coins du globe.

Chanson après chanson, GABIO nous séduit avec cet album solide, plein d’énergie : une véritable invitation à s’évader pour le temps de quelques pulsations.

Douce mélancolie

Moins zéro, le nouvel album folk de l’auteur-compositeur-interprète Joey Robin Haché, est un moment de recueillement teinté de nostalgie.

Avec des orchestrations épurées et une fragilité dans sa voix, le musicien partage ses émotions profondes. Il nous interpelle avec beaucoup de retenue, autant au niveau des interprétations que des musiques. 

Juge-moi dresse l’univers mélancolique du disque. Up and down est un autre moment fort grâce aux arrangements mélodiques. Il en va de même avec Jerrycan et sa couleur années 1970.

Joey Robin Haché porte un regard satirique sur un classique de la télévision américaine avec le p’tit air country The Price is Right. La pièce titre, Moins zéro, est empreinte d’une fragilité, qui en fait un moment magique de l’album.

Sans tambour ni trompette, mais avec une grande tendresse dans l’âme, Joey Robin Haché nous invite à de beaux moments d’intimité. Contrairement à ses derniers opus, il choisit la douceur pour créer un rendez-vous empreint de nostalgie.

Entre ombre et lumière

Transportons-nous en souvenir dans une région magnifique de l’Ontario, la baie Géorgienne. Il y a déjà cinq ans, la formation Georgian Bay nous présentait son projet folk en deux volumes et 18 pièces : Courage.

Le premier volume, Soleil, est comme l’astre du jour. La chaleur, la clarté, la joie de vivre et la liberté sont les thèmes qui transparaissent dans l’album. Dès les premières notes de Canyon on est séduits par des mélodies folks chaleureuses et de magnifiques textes remplis de positivisme.

Roi et Océan débordent de cette même belle énergie. Plus les musiques défilent, plus on est captivé, mais plus on sent une certaine nostalgie s’installer. August et Toronto semblent nous apporter cette brise d’automne qui nous invite au changement.   

Le second disque Moon est plus mystérieux comme l’est souvent l’astre de la nuit. Il se dégage de la lenteur des mélodies et des prestations vocales, un sentiment de mystère et d’incertitude. Cette profondeur ressort particulièrement dans Mining Town, Cœur fragile et Stardust.

Les pièces maitresses sont Storm, Tout c’que j’ai et Miroir. Les orchestrations sont extrêmement puissantes. On termine le tout avec Willows, un folk tout en douceur, comme l’aube qui reprend sa place après une nuit mystérieuse.

En résumé, Soleil et Moon sont deux belles métaphores de la vie, du jour et la nuit, de la confiance et du doute. 

Souffle d’espoir francophone

Sur l’ile de Terre-Neuve, j’ai découvert un groupe magnifique au nom particulier : Port-aux-Poutines. Avec leur album éponyme, Port-aux-Poutines, Jenna Maloney et Axel Belgarde nous invitent dans un univers celtique traditionnel canadien-français.

Le duo nous partage ses fiertés francophones dans un environnement anglophone. Tout au long de cet opus, il nous offre des trames originales et solides, qui mettent en valeur leur musicalité. L’album est rempli de vers d’oreille qui nous invitent à fredonner des chansons inconnues. Les textes nous jasent de fierté du territoire et de fierté de la langue.

Il y a de petits bijoux sur ce disque : la valse Sarah, une interprétation francophone magnifique d’un classique de l’ile, signé Buddy Wasisname and the Other Fellers, ou encore Une gorgée, un salut à tous ceux qui se sont battus pour défendre le fait français au pays. Mon île est une autre valse magnifique interprétée par Jenna Maloney.

La Franco-Terre-Neuvienne termine cet album avec Une dernière chanson, un autre magnifique texte de la plume d’Axel Belgarde. Ce morceau pourrait facilement se tailler une place parmi les grandes chansons engagées comme Notre place de Paul Demers, ou encore Mon Acadie de Georges Béliveau. Il s’agit d’un texte profond et puissant contre l’assimilation, un dernier souffle d’espoir pour le fait français sur l’ile.

Comme la fraicheur de Terre-Neuve, Port-aux-Poutines vient nous séduire avec des sonorités majoritairement celtiques et traditionnelles et quelques moments de tendresses intimes et profonds.

En somme, une belle carte de visite qui démontre toute la fierté francophone de Jenna Maloney et Axel Belgarde. Tendez l’oreille à ce groupe terre-neuvien, vous ne serez point déçu.

Invitation à l’essentiel

L’auteur-compositeur-interprète, Dayv Poulin, nous offre un album rempli de vérité, où l’essentiel est au menu : Tout est relatif.

L’artiste franco-ontarien nous invite dans un univers folk solide qui nous rappelle celui de Blue Rodeo. Tout au long des huit chansons de l’album, il nous captive avec des arrangements fluides irrésistibles et des textes émouvants.

Parmi les vers d’oreille de cet opus, il y a Simple de même. Le titre de la chanson dit tout, c’est une invitation à l’essentiel. Face au tourbillon de la vie, il faut tout simplement vivre au jour le jour et profiter du temps présent.

Pour une variation sur le même thème, La vie est bonne est une autre invitation à l’essentiel. L’album se termine avec le texte le plus puissant, Cupidon, un profond cri du cœur sur le besoin essentiel d’amour. L’interprétation de Dayv Poulin y est remarquable. Mention spéciale à l’unique pièce anglophone, Help me, qui donne l’impression d’entendre Greg Keelor de Blue Rodeo.

Fort apprécié dans la francophonie ontarienne, Dayv Poulin nous offre un petit album aux richesses inespérées. Ce nouvel opus de l’auteur-compositeur-interprète de la région de Sudbury vient séduire les auditeurs avec des mélodies accrocheuses et de superbes textes. Ce disque nous livre des moments de tendresse en ces temps difficiles.

Un bonbon musical aux saveurs d’antan

En souvenir, j’aimerais vous présenter la Fransaskoise Anique Granger et le Québécois Benoît Archambault, deux artistes fascinés par la belle chanson. Ils forment le duo Prairie Comeau, et dans leur dernier album éponyme, ils nous offrent une berceuse en 11 temps.

Il s’agit d’une invitation tout en douceur à un voyage sensoriel à travers six chansons francophones et cinq morceaux anglophones.

Ce disque bilingue est parti d’un désir de reprendre des chansons, écrites avant 1960, qui ont fortement inspiré les deux partenaires. Il débute avec trois belles pièces folks francophones qui nous captivent à chaque respiration : Le ciel se marie avec la mer, Le temps des cerises et Notre sentier.

S’en suivent deux autres anglophones, des plus remarquables, grâce aux magnifiques arrangements. J’adore How Wild the Wind Blows pour sa touche européenne donnée par l’accordéon et Speak Low nous avec ses arrangements plus contemporains.

Prairie Comeau nous propose également un souvenir d’enfance à saveur country, L’eau vive. Georges Brassens n’a jamais sonné si moderne avec la belle version folk de Chanson pour l’auvergnat. C’est ma chanson préférée de l’album.

Ce petit bijou de disque se termine avec une version folk de Take Me to the Ball Game, sans oublier une reprise folk du grand standard de jazz des Platters, Smoke Gets In Your Eyes.

Cet opus d’une magie irrésistible arrête le temps avec deux guitares et deux belles voix qui chantent des chansons d’une époque jadis.

Premier effort exceptionnel pour verbe recherché

Sous la fourrure, le projet de l’auteur-compositeur-interprète d’Ottawa David Robquin, dit Squerl Noir, est un rendez-vous musical à ne pas manquer en ce mois de novembre. L’univers particulier nous séduit par son verbe profond et son intense réflexion.

La recherche du mot juste nous saisit dès le début. L’artiste partage son questionnement sur notre place dans le monde, notre rapport aux conflits mondiaux, l’essence de nos origines, bref la vérité de soi.

Le travail sur les musiques est également de grande qualité. Passant aisément des trames planantes au son électropop, le Squerl Noir nous offre un univers très bien fignolé, qui colle bien aux propos des chansons.

On se laisse transporter entre poésie et musique. Que l’on écoute Les regards, Irrationnels ou L’incendie, la force de séduction de l’auteur-compositeur-interprète est la même. On peut en dire autant des chansons pop Sous la fourrure, ou encore Danser sur Mars. Cette dernière est un succès garanti.

Grâce à ses mots justes et à ses musiques parfaites, David Robquin réussit à interpeler les mélomanes à la recherche de fraicheur auditive. La qualité de la réalisation de ce disque en fait un produit hors du commun, qui se retrouvera surement dans mon top 5 de l’année.

La fierté de ses origines

Artiste franco-ontarienne et abénaquise, Mimi O’Bonsawin connait déjà une carrière anglophone remplie de succès. En 2023, elle a décidé de nous offrir deux albums, Willow dans la langue de Shakespeare et Boréale dans celle de Molière.

Ce dernier nous offre une artiste tout en douceur, qui nous partage ses origines abénaquises et francophones.

On y découvre une voix angélique, sur des trames musicales aux sonorités folks, très souvent accompagnées de percussions autochtones. Les pièces sont ainsi plus profondes et spirituelles. Les textes rendent hommage à la terre, aux rivières, à la forêt et même à notre sœur à tous, la lune.

Mimi O’Bonsawin nous fait voyager jusqu’en Amérique centrale, avec la chanson Mystique, une mélodie aux accents du Sud. Dis-moi ce que tu vois est un hommage à un être cher parti dans l’univers, alors qu’avec Enraciné, la chanteuse nous rappelle la fierté de ses origines.

La Franco-ontarienne Abénaquise nous charme également avec un instrumental, Résistance. Une pièce tribale dans laquelle on entend de superbes vocalises.

Boréale se veut un hommage aux anciens, aux origines et au territoire. Avec une voix presque divine, des musiques profondes aux accents autochtones, Mimi O’Bonsawin nous interpelle sur la richesse de son âme, le duel entre ses cultures. Elle nous offre un rendez-vous tout en délicatesse, où la fierté de ces origines est au menu.

Souvenir d’une grande musicienne

Cela fait déjà plus d’un an que la grande musicienne Pastelle Leblanc, nous a quittés. Pendant plus de dix ans, elle a fait partie du trio acadien Vishtèn, avec sa sœur jumelle, Emmanuelle, et Pascal Miousse.

En 2018, leur opus Horizons s’est classé en deuxième position de mon Top 10. Un album majoritairement inspiré de vieilles chansons et de pièces acadiennes. La qualité et la beauté des arrangements en font un produit unique. Des premiers accords d’Elle tempête à la dernière note d’Âmes sœurs ; chaque pièce accroche l’auditeur.

Les sirènes à Roméo est un autre bel instrumental avec un trio guitare-piano-flute, captivant dès les premières notes. Horizons arrive également à bien nous faire ressentir le gout de vivre des insulaires de l’Acadie en trois beaux tableaux musicaux.

Bi bi box est incontestablement la pièce phare de l’album, un ver d’oreille irrésistible. Elle est très puissante grâce à son énergie et sa mélodie des plus accrocheuses. 

Je terminerai par L’autre femme, une chanson qui se distingue par un son plus moderne au niveau des arrangements, mais avec toujours une belle touche celtique.

Avec cet opus, le groupe Vishtèn a atteint un niveau de qualité d’enregistrement hors du commun, qui le classe parmi la crème de la crème des artistes de légende. 

Les trois membres de la formation acadienne sont au sommet de leur art, offrant des mélodies, des arrangements et des performances presque parfaits. Encore une fois, la qualité des mélodies, la force des voix et la réalisation des plus solides nous captivent.

Chère Pastelle, tu nous manques.

Je vous donne rendez-vous début décembre pour mon Top 10 de l’année. Selon vous, qui aura su me séduire pour ravir la première place?